Séminaire du TIGRE, séance du 8 novembre 2019

Le programme du TIGRE «Échanges, transferts, circulations» (dirigé par Evanghélia Stead) débute cette année avec une séance consacrée à la Sibylle et à sainte Cécile dont vous trouverez les résumés ci-dessous.

Luisa Calé (Birkbeck College, University of London), Sibyl and Sibylline Leaves across Media in the Age of the Codex 

et Amandine Lebarbier (Université de Nanterre), Sainte Cécile dans la ronde des arts

vendredi 8 novembre, 16h-19h, ENS, 29 rue d’Ulm, salle U 205.

 

Luisa Calé (Birkbeck College, University of London), Sibylline Leaves, Sibylline Books, and the Dynamics of the Codex in the Long Eighteenth Century

This paper discusses how the figure of the Sibyl is used to address the relationship between flying manuscript leaves, the typographical layout of the page, and the stability of the codex in British literature and visual culture of the long eighteenth century. Since John Dryden added a reference to book gatherings to Virgil’s account of the Sibyl’s scattered leaves in his translation of the Aeneid (1697), the figure of the Sibyl crops up in eighteenth-century writings reflecting on the tension between authors’ papers and the attempt to establish their texts in monumental book forms. The paper will address how the Sibyl changes under the pressure of different book forms, ending with William Blake’s illuminated books and his watercolour extra-illustrations to Edward Young’s Night Thoughts, where references to the Sybil question the possibilities of the book as a bound object, a figure of political or religious imposition, or a revolutionary form disbound and scattered to the wind. 

Luisa Calé (Birkbeck College, University of London), Feuilles sibyllines, livres sibyllins et la dynamique du codex au long dix-huitième siècle

Cet exposé discute la manière dont la figure de la Sibylle est utilisée pour aborder la relation entre les feuilles manuscrites volantes, la disposition typographique de la page et la stabilité du codex dans la littérature britannique et la culture visuelle du long dix-huitième siècle. Depuis que John Dryden a ajouté une référence aux livres réunis au récit de Virgile sur les feuilles éparses de la Sibylle dans sa traduction de l’Énéide (1697), la figure de la Sibylle réapparaît dans les écrits du XVIIIe siècle reflétant la tension entre les papiers d’auteurs et la tentative d’établir leurs textes sous forme de livre monumentaux. L’exposé traitera de la façon dont la Sibylle se modifie sous la pression de différentes formes de livre, pour finir avec les livres enluminés de William Blake et ses extra-illustrations à l’aquarelle pour Night Thoughts d’Edward Young, où les références à la Sybille remettent en question les possibilités du livre en tant qu’objet relié, une figure d’imposition politique ou religieuse, ou une forme révolutionnaire défaite et dispersée au vent.

Amandine Lebarbier (Université de Nanterre), Sainte Cécile dans la ronde des arts 

Cette communication s’attachera à montrer le rôle important qu’a joué la figure de sainte Cécile dans l’imaginaire musical européen. Différents media ont contribué à faire de la patricienne romaine légendaire une sainte patronne reconnue et célèbre dont, au premier chef, le tableau de Raphaël, L’Extase de sainte Cécile, peint en 1514. Nous nous intéresserons donc aux multiples incarnations de la sainte patronne de la musique et aux multiples récupérations dont elle a pu faire l’objet, en centrant notre parcours sur le XIXe siècle, et en empruntant des exemples à des champs d’études divers – iconographie, musique, littérature, mais aussi presse musicale, frontispices de partitions, etc. 

Séminaire PéLiAS (périodiques littérature, arts, sciences) – séances du 15 novembre 2019

Séminaire PéLiAS (périodiques littérature, arts, sciences)
Les périodiques comme médiateurs culturels
 
Nous sommes heureux de vous inviter à assister à la prochaine séance du séminaire PéLiAS, qui aura lieu le vendredi 15 novembre 2019, 16h-19h, (ENS, 29 rue d’Ulm, salle U 205).
Il s’agit d’une séance exceptionnelle durant laquelle nous accueillerons deux chercheurs internationaux, à eux seuls représentatifs du dialogue entre domaine littéraire et scientifique, connus de tous ceux qui s’intéressant à l’étude des périodiques.  
 
 
Vendredi 15 novembre 2019, 16h-19h, (ENS, 29 rue d’Ulm, salle U 205).
Périodiques et vulgarisation
 
Jonathan TOPHAM (Senior Lecturer in History of Science and Director of Centre for HPS, Leeds University Researching the cultural history of science in late Georgian Britain), auteur de Science in the Nineteenth-Century Periodical: Reading the Magazine of Nature (2004) et du récent Periodicals in Nineteenth-Century Britain: Constructing Scientific Communities 
 

Periodicals, Popular Science, and the Construction of Scientific Communities in Early Nineteenth-Century Britain
 
From the moment that Britain’s first commercial scientific periodicals began to be produced in the 1790s, the question of how to achieve a sustainable readership was a central concern.  Such issues overlapped critically with questions about the politics of knowledge.  Who in an industrializing society should have access to, or be able to contribute to the development of the sciences?  This paper explores how the emerging notion of the “popular” was deployed in the first fifty years of British science periodicals, both to generate a market and to develop and maintain communities of scientific practice, showing that publishers, editors, and readers offered a range of perspectives on how periodicals might be used to manage the involvement of diverse participants in the sciences.
 
Mark MORRISSON (Professor and Head of English, Penn State University), auteur de The Public Face of Modernism: Little Magazines, Audiences, and Reception 1905-1920 (2001), de Modernism, Science, and Technology (2016), anciennement responsable du Journal of Modern Periodical Studies.

Periodicals, Scientific Popularization, and Domaining Effects in Anglophone Nuclear Physics, 1900-1945

The early decades of research in radioactivity and nuclear physics were rich in metaphors and analogies that circulated widely across several cultural and knowledge domains, often through numerous genres of periodicals. Using the concept of domaining from anthropologist Marilyn Strathern and literature and science scholar Susan Merrill Squier, this talk will explore the alchemical tropes in the early chemistry and physics of radioactivity and the militaristic tropes often employed in discussions of particle accelerators and other attempts to break up atomic nuclei (on both sides of the Atlantic) as examples of the generative circulation of scientific concepts through periodical genres and other publications.  The paper will also suggest possible uses for topic modelling and other forms of quantitative analysis of scientific journals and popularizing periodicals.
 
Organisateurs :
Hélène Védrine (Sorbonne Université, CELLF 19-21)
Norbert Verdier (Paris-Sud, EST-GHDSO)
Alexia Kalantzis (UVSQ, CHCSC)
 
 
Comité scientifique :
Evanghelia Stead (UVSQ, CHCSC & IUF)
Hélène Gispert (Paris-Sud, EST-GHDSO)
Viera Rebolledo Dhuin (UVSQ, CHCSC)
Hélène Védrine (Sorbonne Université, CELLF 19-21)
Norbert Verdier (Paris-Sud, EST-GHDSO)
Alexia Kalantzis (UVSQ, CHCSC)
 
Contacts :
alexiakalantzis@gmail.com
norbert.verdier@u-psud.fr
 
Label MSH Paris-Saclay & CELLF 19-21

Séminaire PéLiAS: Les périodiques comme médiateurs culturels (22 mars 2019, Sorbonne)

Séminaire PéLiAS

Les périodiques comme médiateurs culturels (littérature, arts, sciences)

Vendredi 22 mars 2019, Faculté des Lettres, Sorbonne Université, 16h-19h, salle Paul Hazard (entrée par le 17 rue de la Sorbonne, esc. C, 2e étage) 
Périodique et édition

Yoan Vérilhac (Université de Nîmes, RIRRA 21, Montpellier III) : Gallimard, livres et journaux.
Cette communication vise à explorer, à partir de l’exemple des périodiques fondés par la maison Gallimard dans l’entre-deux guerres (Détective, Marianne, Voilà, NRF), la question historique générale de la transition entre deux régimes médiatiques de communication littéraire : celui, régnant au xixe siècle, polarisé sur le journal (des sociabilités aux rémunérations en passant par la détermination des poétiques narratives, lyriques ou théâtrales), et celui du xxe siècle, centré sur le livre. 

Caroline Ehrhardt (Université Paris-8, IDHES) : Éditer une revue générale à caractère scientifique à la Belle Epoque : l’exemple de la Revue du Mois du mathématicien Emile Borel

La Revue du mois a été fondée en 1905 par le mathématicien Emile Borel dans le but de « contribuer au développement des idées générales par l’exposition et l’étude critique des progrès réalisés dans la connaissance des faits et des mouvements d’idées qui en sont la conséquence ». Revue générale à caractère scientifique, elle propose ainsi à un lectorat cultivé – mais non spécialisé –  de prendre connaissance non seulement des développements récents mais aussi des enjeux liés à ces développements, et ce dans le domaine des sciences expérimentales, des sciences humaines, mais aussi des mathématiques.
Il s’agira dans cette communication de présenter dans un premier temps les intentions et la mise en acte de ce projet (définition de la ligne éditoriale, stratégies mises en place pour conquérir un public etc.). Nous nous interrogerons ensuite sur les rouages éditoriaux de la présence des sciences, et plus particulièrement des mathématiques, dans un périodique généraliste. Nous nous efforcerons enfin de restituer les enjeux, tant personnels pour Borel que scientifiques et sociaux, voire politiques, de la mise en avant dans sa revue de l’usage des mathématiques pour le monde social.

Le séminaire PéLiAS (Périodiques, Littérature, Arts et Sciences) se propose d’étudier les périodiques artistiques, littéraires et scientifiques du XVIIIe siècle à la première moitié du XXe siècle en tant que médiateurs culturels. Il s’agit d’analyser les périodiques en tant que constructions sociales, matérielles et entrepreneuriales, faisant intervenir de multiples acteurs : écrivains, artistes, typographes, graveurs, imprimeurs, éditeurs, ou lecteurs… et touchant des milieux socio-professionnels variés (milieux artistiques et littéraires, scientifiques, universitaires, théâtres, galeries, maisons d’édition…).

L’approche adoptée sera double : les périodiques seront interrogés en tant que support de communication appartenant à la culture de l’imprimé et en tant qu’objet culturel pluridisciplinaire. La notion de médiateur permettra également d’insister sur la circulation des idées, des textes, des images et des rédacteurs. Les périodiques seront pensés en terme de « réseau » : un dialogue s’établit entre les différents périodiques, au-delà des catégories traditionnelles qui opposent grande et petite presse, revues et livres, revues artistiques et littéraires et revues scientifiques. Enfin, les périodiques seront étudiés dans leur dimension de vulgarisation, tant au niveau littéraire que scientifique, et dans leur rapport au livre et aux différents publics.

Programme :

Vendredi 22 mars, Faculté des Lettres, Sorbonne Université, 16h-19h, salle Paul Hazard (entrée par le 17 rue de la Sorbonne, esc. C, 2e étage) : Périodique et édition Yoan Vérilhac (Université de Nîmes, RIRRA 21, Montpellier III) et Caroline

Ehrhardt (Université Paris-8, IDHES)

Vendredi 24 mai, MSH Paris-Saclay, 16h-19h : Périodique et image

Valérie Stiénon (Université Paris 13, Pleiade) et Delphine Benoit (Université Paris Sud, GHDSO)

Vendredi 11 octobre, MSH Paris Saclay, 16h-19h : Périodique et traduction

Francis Mus (Université de Liège, CIRTI) et Patrice Bret (Centre Alexandre Koyré, Paris)

Vendredi 15 novembre, Faculté des Lettres, Sorbonne Université, salle Paul Hazard, 16h-19h : Périodique et vulgarisation

Mark Morrisson (Pennsylvania State University) et Jonathan R. Topham (Leeds University)

Organisateurs :

Hélène Védrine (Sorbonne Université, CELLF 19-21) Norbert Verdier (Paris-Sud, GHDSO)

Alexia Kalantzis (UVSQ, CHCSC)

Comité scientifique :

Evanghelia Stead (UVSQ, CHCSC & IUF) Hélène Gispert (Paris-Sud, GHDSO) Viera Rebolledo Dhuin (UVSQ, CHCSC)

Hélène Védrine (Sorbonne Université, CELLF 19-21) Norbert Verdier (Paris-Sud, GHDSO)

Alexia Kalantzis (UVSQ, CHCSC)

Contacts : alexiakalantzis@gmail.com norbert.verdier@u-psud.fr

Label MSH Paris-Saclay & CELLF 19-21

L’art (décoratif) du livre illustré fin-de-siècle : éloge du parergon (Paris, 7 février 2019)

7 février 2019
Salle des Actes (Faculté des Lettres, Sorbonne Université, entrée par le 54 rue Saint-Jacques)

Journée d’études organisée par Sophie Lesiewicz (Bibliothèque littéraire Jacques Doucet/ UMR THALIM) et Hélène Védrine (Sorbonne Université/ UMR CELLF),

avec le soutien de la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet, du Centre d’étude de la langue et des littératures françaises et du Centre Jean Mabillon (Ecole nationale des chartes)

« Mais l’illustration, c’est la décoration d’un livre ! » 

Qui ne connaît l’exclamation célèbre de Maurice Denis, qui ajoutait : « Trouver cette décoration sans servitude du texte, sans exacte correspondance de sujet avec l’écriture ; mais plutôt une broderie d’arabesques sur les pages, un accompagnement de lignes expressives » (« Définition du néo-traditionnisme », août 1890) ?

.Cette affirmation a blasonné une nouvelle conception du livre illustré. Attirer l’attention sur le caractère purement plastique de l’illustration et des éléments qui la déterminent déplace notre regard du texte et de l’image vers la typographie (lettre et mise en page) et le décor. Maurice Denis résout brillamment l’opposition qui voudrait que la domination de l’illustration au XIXe siècle ait dévoyé l’art de la décoration purement typographique du livre (voir Charles Saunier, Les Décorateurs du livre, 1922)

Encore faut-il donner sa pleine mesure à la notion de « décor » et de « décoration », et examiner la diversité des exemples qui peuvent appuyer une telle assertion.

Cette réévaluation du caractère décoratif du livre demande à être envisagée selon des perspectives à la fois esthétiques et théoriques.  La notion de parergon, que Jacques Derrrida (La Vérité en peinture, 1978) emprunte à Kant qui désignait ainsi les ornements extérieurs qui encadrent une œuvre d’art de manière accessoire et parfois préjudiciable, invite à apprécier le statut des éléments proprement décoratifs dans le livre : bandeaux, culs-de-lampe, fleurons, encadrements, lettrines, voire caractères typographiques, etc. Souvent invisibles et négligés, leur création a cependant occupé de nombreux artistes et typographes qui leur ont attribué un rôle majeur dans leur programme iconographique.

Que l’illustration puisse se revendiquer elle-même comme parergon, par la voix d’un Maurice Denis rêvant d’« encadrements rythmiques, de lettres fastueuses », ou d’un Auguste Lepère parlant à  propos de son À rebours (1905), d’ « ornement de la feuille de papier », d’« orfèvrerie autour des pages » et de « feston », bouleverse profondément le statut de l’image dans le livre.

À la fois extérieure et fondamentale au texte, l’illustration devient ce « décor suggestif » qui rend compte, comme tenta de le faire Remy de Gourmont dans L’Ymagier et ses éditions illustrées au Mercure de France, d’un rapport idéal entre le mot et les choses.  

Le livre fin-de-siècle ne réalise pas cet idéal de manière uniforme, comme a pu le montrer par ailleurs Evanghélia Stead (La Chair du livre, 2012). Le livre Art & Craft, comme celui de William Morris, se tourne vers l’imitation des incunables, de leurs caractères typographiques et encadrements décoratifs. Il vise à créer une harmonie par laquelle « les illustrations ne devraient pas avoir une relation plus ou moins aléatoire avec la décoration et la typographie, mais une relation essentielle et artistique. » Le livre Art Nouveau, qu’Antoine Coron désignait comme un « livre de décorateurs », met lui aussi l’accent sur les encadrements et ornements floraux ou organiques, et se caractérise par une grande innovation typographique (que l’on pense à Auriol ou à Grasset). Il bénéficie des nouvelles techniques de reproduction photomécaniques qui permettent de placer le texte en surimposition d’une illustration et de la décoration des marges, inventant de nouvelles normes de mises en page où s’impose largement la couleur. Cette esthétique décorative, qui joue sur les découpes de l’image et du texte comme l’a montré Philippe Kaenel à propos de l’Histoire des Quatre fils Aymon et des éditions d’Uzanne (Le Métier d’illustrateur, 2005), annule la distinction entre l’illustration, qui relève du régime iconographique, et l’ornementation typographique, qui relève de la sphère du bloc typographique et de la zone de lisibilité de la page.

Ce régime décoratif, loin d’être secondaire et extérieur, permet dès lors d’instaurer de nouvelles conceptions de la page, du livre, et des rapports entre le texte et l’image. Il est peut-être aussi l’étape qui permet de passer aux expérimentations des avant-gardes, dans le livre et la typographie.

C’est à cet éloge du parergon et du décor du livre qu’invite la journée d’études qui sera organisée le 7 février 2019. Il s’agira d’examiner les différentes manières dont un art décoratif du livre a pu être promu au tournant du XIXe et du XXe siècle, à travers des études portant sur l’ornementation, la typographie et l’illustration comme décoration.

Cette journée vise aussi à mettre en valeur la collection de livres fin-de-siècle de la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet. Connu pour ses fonds de littérature des avant-gardes puis contemporaine, l’établissement conserve aussi un important ensemble d’ouvrages symbolistes et post-symbolistes qui se trouvent même former ses fondations puisqu’ils constituent les premiers éléments de l’originelle Collection Jacques Doucet, diligentée par André Suarès à partir de 1914. Cent ans plus tard, cette collection de livres fin-de-siècle prend une nouvelle actualité de par un second accroissement en 2014, grâce au legs Jean Bélias. Revivifiée, elle attend donc ses chercheurs qui trouveront, pour éclairer la genèse des ouvrages, manuscrits, maquettes ou correspondances, la BLJD se caractérisant par le caractère mixte de ses collections, dans une entreprise de contextualisation chère à Jacques Doucet.

PROGRAMME

9 h 15 : accueil des participants

9 h 30 : ouverture du colloque, par Sophie Lesiewicz (Bibliothèque littéraire Jacques Doucet) et Hélène Védrine (Sorbonne Université)

10 h : Serge Linarès (université Versailles Saint-Quentin), « Effets de manuscrit dans le livre fin-de-siècle : du décoratif à l’ontologique »

10 h 30 : Marine Le Bail (université Toulouse II), « Le livre librement rêvé de Marcel Schwob »

11 h : Discussion et pause

11h 45 : Evanghélia Stead (université Versailles Saint-Quentin), « Jérôme Doucet et Georges Rochegrosse : broderies marginales autour de Trois légendes d’or, d’argent et de cuivre (1901) »

12 h 15 : Rivka Susini (université Paris-Nanterre), « Parergon symboliste dans le corpus illustré de Carlos Schwabe »

12 h 45 : Discussion et déjeuner

14 h 30 Nicole Tamburini (historienne de l’art indépendante) : « Edmond Deman : vers une nouvelle conception du livre illustré »

15 h : Clément Dessy (université de Warwick), « Ambroise Vollard : un accordeur d’arabesques en mots et en images »

15h 30 : Discussion et pause

16 h 15 Florence Alibert (université d’Angers) : « ‘Nous avons montré tout ce que nous pouvions ‘. De l’emploi de la couleur dans les illustrations des livres des Eragny Press de Lucien Pissarro »

16h 45 : Clémence Gaboriau (Sorbonne Université) : « Jacques Beltrand (1874-1977). Regard sur un graveur-éditeur emblématique au tournant du XXe siècle »

17 h 15 : Discussion et conclusion

Merci de vous munir de ce programme et de le présenter à l’entrée de la Sorbonne afin d’avoir accès à la salle. 

RESPONSABLE :

Sophie Lesiewicz (Bibliothèque littéraire Jacques Doucet) et Hélène Védrine (Sorbonne Université)

ADRESSE

Salle des Actes, Faculté des Lettres, Sorbonne Université (entrée par le 54 rue Saint Jacques)

Laurence DANGUY, Le Nebelspalter zurichois (1875-1921), Au coeur de l’Europe des revues et des arts

Laurence DANGUY, Le Nebelspalter zurichois (1875-1921), Au coeur de l’Europe des revues et des arts, Avant-propos de Philippe KAENEL, Genève, Droz, 2018.

Publiée de façon ininterrompue depuis 1875, le Nebelspalter, littéralement « (celui) qui fend le brouillard », est désormais la plus ancienne revue satirique au monde. De tout temps, et malgré une fortune changeante, son rayonnement a été considérable. Durant la période fondatrice, de 1875 à 1921, la place et le rôle du Nebelspalter sont tout à fait singuliers. L’époque est celle d’un âge d’or européen des revues, où l’on observe un dialogue constant entre des périodiques se situant à la croisée des mondes artistique et littéraire, ne connaissant pas de frontières. Le présent ouvrage s’attache à retracer l’histoire de la revue durant sa période zurichoise ainsi qu’à en analyser l’esthétique. 

Sommaire

Remerciements 
Avant-propos de Philippe Kaenel : la presse satirique en Suisse

Introduction 

Première partie
IDENTITÉ ET CHRONIQUE D’UNE REVUE SATIRIQUE ZURICHOISE

1. Genèse et figures 

1.1. Décryptage de la fondation et de la vie éditoriale : focus sur Boscovits senior 

1.2. La domination Boscovits 

1.3. La configuration artistique et sociétale des dessinateurs 

1.4. Ambitions voilées et assumées : de la délimitation avec les champs de l’art et de la presse 

1.5. Liste et période d’activité des éditeurs et rédacteurs en chef 

1.6. Liste et période d’activité des dessinateurs 

2. Cycles de vie d’un organe bourgeois à l’identité complexe

2.1. 1875, un premier numéro fixant les choses : maquette, tendance, identité visuelle et commerciale 

2.2. 1875-1886 : les années noir et blanc de l’ère Nötzli ou quand la Suisse prime sur le monde
2.2.1. Identité, maquette et technique – On affine 
2.2.2. Distribution, politique commerciale et lectorat – Essor 
2.2.3. Déclinaisons thématiques d’une tendance stable 
2.2.4. Un langage visuel et rhétorique très typé
2.2.5. L’installation d’un appareil allégorique 

2.3. 1887-1899 : ouverture, couleur et premier Jugendstil sous l’ère Nötzli 
2.3.1. Identité, maquette et technique – Changements techniques et oscillations du titre 
2.3.2. Distribution, politique commerciale et lectorat – En avant toute 
2.3.3. Thèmes et tendance – Ouverture et modernité 
2.3.4. Rhétorique – Continuité et variations 
2.3.5. Langage visuel – Jugendstil, Belle Époque et caricature
2.3.6. La constellation allégorique du Nebelspalter – Allégorie, femme et un monde à soi 
2.3.7. Les couvertures Jugendstil, l’affirmation d’une identité 
2.3.8. En voir de toutes les couleurs 

2.4. 1900-1906 : Jugendstil versus Heimatstil – Retour aux fondamentaux 
2.4.1. Identité, maquette et technique – Menace sur le cadre au trait 
2.4.2. Distribution, politique commerciale et lectorat – Statu quo 
2.4.3. Tendance et thèmes – Recentrage 
2.4.4. Rhétorique – L’empreinte de la politique
2.4.5. Langage visuel – Acculturation du Jugendstil et recyclage de formules anciennes 
2.4.6. La femme, le nu et l’allégorie
2.4.7. Du Heimatstil en couverture – Le Jugendstil helvétique 
2.4.8. Les aléas de la couleur 

2.5. 1907-1912 : remous, hésitations et révisions 
2.5.1. Identité, maquette et technique – Le temps de la refonte 
2.5.2. Distribution, politique commerciale et lectorat – Recadrage
2.5.3. Durcissement de tendance et primauté à la politique 
2.5.4. Rhétorique – On monte le ton 
2.5.5. Victoire du Heimatstil et confinement de l’image à l’illustration satirique
2.5.6. Recul de la représentation féminine et désinvestissement de l’allégorie 
2.5.7. La valse des couvertures 
2.5.8. Passage définitif à la couleur 

2.6. 1913-1921 : l’image en perte et la Première Guerre mondiale 
2.6.1. Identité, maquette et technique – Recul 
2.6.2. Distribution, politique commerciale et lectorat – Sursauts et fuite en avant 
2.6.3. Tendance et thèmes – Repli et ambigüité 
2.6.4. Une rhétorique clivée 
2.6.5. Le chant du cygne de l’image 
2.6.6. Divorce de la femme et de l’allégorie 
2.6.7. Dilution de la couleur 

Deuxième partie
UN CERTAIN REGARD SUR LE MONDE

3. Regard sur un monde aux déclinaisons plurielles 

3.1. Une iconographie du monde 107
3.1.1. 1875-1886 : figures et motifs d’une ouverture a minima
3.1.2. 1887-1914 : déclinaisons d’un univers en expansion et d’une Europe impuissante 
3.1.3. 1914-1921 : embrasement et no man’s land d’un univers en perdition

3.2. La Suisse versus Zurich : critique et iconographie 
3.2.1. Le face-à-face (helvétique) du Nebelspalter avec Helvetia 
3.2.2. L’alliance sacrée ou la Suisse du Nebelspalter
3.2.3. Chronique visuelle d’une ville : Zurich 

3.3. La Première Guerre mondiale : la « drôle » de guerre d’une revue 
3.3.1. Se situer vis-à-vis d’un conflit étrange
3.3.2. Rire en guerre 
3.3.3. Montrer la guerre et renoncer au rire 
3.3.4. L’après-guerre : ressassements en images 

Troisième partie
CULTURE, ART ET POLITIQUE :
DISCOURIR ET PRENDRE SA PLACE

4. Discours sur l’art 

4.1. La question de l’art suisse 

4.2. Rendre compte des expositions et régler ses comptes via les expositions 

4.3. Le salon caricatural du Nebelspalter ou la critique de la modernité 

4.4. Le couple Arnold Böcklin et Ferdinand Hodler

4.5. Plaider et batailler pour la pierre à Zurich : le Kunsthaus et le Musée national suisse 

4.6. La maigre réception des mouvements contemporains 

5. Emprunts, transferts et autoréférentialité 

5.1. Le Nebelspalter, la caricature et les revues illustrées européennes

5.2. S’enrichir du « grand art »

5.3. Le statut très particulier de Arnold Böcklin et Ferdinand Hodler 

5.4. Transpositions médiales 

5.5. Se citer soi-même plus que de mesure 

6. Des affaires de réseaux 

6.1. La leçon des archives Nötzli : un éditeur et ses réseaux 

6.2. Intrigues suisses et influences françaises dans le monde éditorial: Jean Nötzli, John Grand-Carteret et Cäsar Schmidt 
6.2.1. Acte un : correspondance entre Jean Nötzli et John Grand-Carteret de 1880 à 1891 
6.2.2. Acte deux : 1897, querelle autour de l’« Europe actuelle »

6.3. Quand politique, art et satire se mêlent : Numa Droz et Jean Nötzli

6.4. Passions d’artistes : Richard Kissling, Evert van Muyden, Henri van Muyden et Jean Nötzli 

Conclusion 

Bibliographie sélective 
Travaux académiques sur le Nebelspalter
Travaux académiques s’appuyant sur le Nebelspalter de manière significative 
Publications de vulgarisation sur le Nebelspalter en provenance des éditions du Nebelspalter 
Publications de vulgarisation sur le Nebelspalter en provenance d’autres maisons d’édition 

Index 

Table des illustrations 

Crédits photographiques 

Séminaire Numapresse sur la Bohème (23 novembre 2018, Nanterre)

Ecosystèmes de la Bohème: acteurs, médias, géographie

La « Bohème » est une notion complexe; plus qu’un groupe, une époque, elle renvoie à un style de vie. La Bohème, ce sont des écrivains et des artistes (mâles) en représentation dans des cafés et des cabarets; des lorettes, des modèles, des prostituées qui ne sont pas de simples éléments du décor; une géographie dont les pôles sont aussi bien des lieux de vie, de rencontre, de production que des outils économiques ou publicitaires (un cabaret, on y mange, on y boit, on y écrit, on y chante, on en passe des réclames dans les périodiques); des journaux qui font plus que transposer les relations sociales d’un milieu: qui les créent, les transforment, les diffusent. Cette imbrication de tous les plans (économiques, sociaux, esthétiques, communicationnels) montre qu’il s’agit bien d’une forme d’écosystème: une structure en quête perpétuelle d’équilibre (une structuration) avec ses prédateurs, ses proies, ses ressources, son territoire…

Les travaux de Jean-Didier Wagneur et d’Anthony Glinoer sur la bohème, ses représentations, sa sociabilité, ceux d’Alain Vaillant sur la base Petite Presse et la presse satirique avec le projet HIRIM, avec Jean-Didier Wagneur et Caroline Crépiat sur L’Hydropathe et Le Chat noir, ont permis d’engranger de nombreuses données sur les contenus des périodiques, les lieux de sociabilité, les profils sociologiques des acteurs de la Bohème, autour de 1840 et de 1880, données versées dans la base Numapresse. Ces périodes peuvent servir de cas d’étude pour expérimenter avec une base de données considérée non comme un simple dépôt d’informations mais comme un outil d’exploration et de découverte. Quelle est la valeur épistémologique d’une base de données? Peut-on voir émerger des motifs dans cet ensemble? Nous nous intéresserons en priorité aux questions de la prosopographie, de l’économie et de la géographie de la Bohème, pour voir de quelle manière s’entrelacent ces questions.

Intervenants
Caroline Crépiat (Docteure, CELIS, Équipe Lumières et Romantismes)
Anthony Glinoer (Chaire de recherche du Canada sur l’histoire de l’édition et la sociologie du littéraire, Professeur titulaire à l’Université de Sherbrooke, Québec)
Julien Schuh (Université Paris Nanterre
Jean-Didier Wagneur (BnF, HIRIM)


Parution: A. Vaillant, Y. Vérilhac (dir.), Vie de bohème et petite presse du XIXe siècle, Presses universitaires de Paris Nanterre, 2018

Alain Vaillant, Yoan Vérilhac (dir.), Vie de bohème et petite presse du XIXe siècle, Presses universitaires de Paris Nanterre, 2018.

La bohème est l’un des mythes les plus populaires du XIXe siècle : il a inspiré des romans, des poèmes, des opéras et, plus récemment, de nombreux ouvrages érudits. On s’est familiarisé avec ses figures pittoresques, sa géographie parisienne, ses rites initiatiques. Mais on manque souvent l’essentiel : si la bohème constitue une collectivité si identifiable – unie par des liens très puissants de camaraderie –, c’est qu’elle est l’émanation directe de la petite presse littéraire et artistique qui, de l’époque romantique jusqu’à la fin de siècle, est le cœur vivant de la vie culturelle en France.

Il faut donc oublier la légende de la bohème pour se tourner vers la réalité : l’organisation concrète de cet univers médiatique, le tissu étroit des solidarités professionnelles et amicales. Surtout, cette complicité collaborative de la presse influe directement sur les formes de l’écriture (désormais saturée par l’ironie et la parodie) et, contrebalançant la solitude sacrée de l’auteur, met en jeu la conception même de la littérature.

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Sommaire

Alain Vaillant, Yoan Vérilhac – Sociabilités littéraires et « petite presse » : questions de méthode
La camaraderie et la petite presse, de Louis-Philippe à Napoléon III
Nathalie Preiss – La petite presse : le régime de la communauté universelle ?
Valérie Stiénon – La communauté charivarique de la blague ;
Corinne Saminadayard-Perrin – Le cénacle et le boulevard : l’envers et l’endroit ;
Anthony Glinoer, Vincent Laisney – La Brasserie des Martyrs : un lieu commun de la bohème.
Solitaire, solidaire
Fanny Bérat-Esquier – Le clan Lepoitevin « en silhouette » ;
Sarah Mombert – « Un pour tous, tous pour un ». Sociabilités et réseaux du journal Le Mousquetaire ;
Martine Lavaud – Les poètes de l’entresol : Théophile Gautier et la petite presse ;
Alain Vaillant – Le cas Baudelaire : esquisse d’une poétique de la camaraderie littéraire.
Sociabilités fumistes
Jean-Didier Wagneur – Socialités des petits médias. L’arène de Lutèce ou vivre ironiquement la littérature ;
Caroline Crépiat, Denis Saint-Amand – Des Hydropathes au Chat noir. Stratégies d’émergence et sociabilité ;
Solenn Dupas – Pratiques fumistes de la dédicace dans Le Chat noir. Formes et enjeux d’une poétique en réseaux ;
Bénédicte Didier – Le Chat noir ou l’expérience inédite d’un journal de cabaret.
De la petite presse à la petite revue
Philippe Leu – « La diffusion par le verbe ». La forme revuiste comme matrice du réseau de sociabilités de La Plume ;
Julien Schuh – Du cercle aux revues : genèse sociale de l’espace discursif de quelques périodiques fin-de-siècle ;
Yoan Vérilhac – Fini de rire : la petite revue ou la petite presse qui argumente.
Bibliographie générale

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Appel à communication: L’édition de création 1930-1970 Le grand illustré, et après ? Arsenal, 3 juin 2019

L’édition de création 1930-1970

Le grand illustré, et après ?

Journée d’étude organisée par Sophie Lesiewicz (BLJD/UMR Thalim) &

Anne-Christine Royère (Université de Reims Champagne-Ardenne/CRIMEL)

en partenariat avec la Bibliothèque de l’Arsenal

3 juin 2019

Bibliothèque de l’Arsenal

Lorsqu’en 1928 Raymond Hesse dresse le bilan des entreprises bibliophiliques en France, il note qu’un double mouvement de fond caractérise l’après Grande Guerre. D’une part « la bibliophilie prend une forme corporative[1] », de l’autre se développe une « édition de luxe » à visée commerciale pour des auteurs dont le succès de librairie pousse les éditeurs littéraires à réimposer le texte accompagné de figures[2] . Dès lors, c’en est fini de la bibliophilie créatrice à la Octave Uzanne, « publication très dégagée des traditions et des préjugés typographiques et iconographiques[3] » dont l’enjeu était de s’extraire du collectionnisme de la « grande bibliophilie rétrospective » comme de la « bibliophilie vénérante[4] » promouvant un « panthéon littéraire alternatif[5] » ou classique. Le champ du livre de luxe qui liait éditeurs-bibliophiles, amateurs et médias autour de débats relatifs au livre moderne hors du secteur éditorial industrialisé se reconfigure ainsi dans les années 1920 puis se renouvelle suite à la crise de 1931 qui voit l’éclatement de la bulle spéculative du livre de luxe et la cessation d’activité d’un grand nombre d’éditeurs.

Commence alors ce que l’on considère comme l’âge d’or du « livre d’artistes » en France, de 1931 au début des années 1980, et plus particulièrement celui édité par des galeries (Louise Leiris, Jeanne Bucher, Maeght, Tériade, etc.) Celles-ci promeuvent le livre d’artistes « à la française[6] », dont le caractère littéraire nettement affirmé n’allait pas de soi auparavant dans le livre à figures. Ainsi la production de livres de luxe reprend-elle à partir des années 1940, sollicitant non plus des décorateurs (Mucha, De Feure, Schmied et Miklos…) ou des illustrateurs (Lepère, Carlègle, Laboureur…) mais des peintres, ravivant par là même la hiérarchie des arts (exclusion des illustrateurs de métier), celle des modes de représentation (l’image l’emportant sur le texte) et de production éditoriale (exclusion du demi-luxe). À telle enseigne que dans la seconde moitié du XXe siècle, « cela devient alors comme un ornement obligé de la poésie d’être accompagnée des gravures de peintres. Il va presque de soi que peinture et poésie sont appelées à se retrouver sur les pages des livres, qui atteindraient ainsi à une dimension supérieure[7] ». « Livres de peintre[8] », auxquels « ne pourraient prétendre les illustrations réalisées par des artistes mineurs sur des œuvres en prose[9] », « livres de dialogue » conçus comme la « rencontre entre un peintre et un poète qui est vécue selon un mode de nécessité inhérent à la passion partagée[10] » mais aussi « grands illustrés[11] » ont ainsi donné lieu à des analyses aussi nombreuses que lumineuses, en convoquant surtout l’univers des galeries d’art. Certains producteurs moins flamboyants ou plus éphémères mériteraient à présent qu’on leur consacre un peu d’encre (les Blaizot, Jean-Hugues, Pierre Bordas, Brunidor).

Pour autant, le livre de création ne se résume pas à ce genre d’ouvrages. Il y a un « après », mais aussi un « autour » du « grand illustré ». À cet égard, l’innovation typographique initiée au XIXe siècle et introduite dans le livre de poésie par Mallarmé en 1897 est à l’origine d’un autre type de livre, le livre graphique[12], ou lisible et visible jouent à se confondre. Après le déchaînement des avant-gardes, qui n’ont d’ailleurs pas forcément privilégié l’espace livresque, il connaît lui aussi un âge d’or, plus discret, à travers un nouveau type de producteur, le poète-typographe et éditeur, faisant de la typographie une des données de la littérarité du texte, voire une création littéraire à part entière (GLM, Bettencourt, PAB, Iliazd, Lecuire ou Vodaine). Cette configuration éditoriale se resserrant autour d’un homme-orchestre est en quelque sorte un prolongement du « livre d’écrivain[13] ». Depuis le second symbolisme, certains auteurs ont en effet eu tendance à particulièrement s’impliquer dans la réalisation matérielle de leurs livres (Jarry, Gide), jusqu’à occuper des fonctions éditoriales[14] pour investir le livre en artiste (Cendrars, Segalen, Cocteau). Il s’agirait de faire remonter des figures similaires et moins étudiées, Georges Hugnet et les Éditions de la Montagne, Robert Morel, mais aussi des groupes littéraires et artistiques peu envisagés sous l’angle de la bibliophilie par idéologie (le livre lettriste et situationniste, notamment).

Dans les années 1960, l’artist’s book traverse l’Atlantique pour devenir « livre d’artiste » au singulier : « L’artiste assume totalement la conception du livre dont il ne partage pas la responsabilité intellectuelle avec un écrivain[15]. » Anne Moeglin-Delcroix a ainsi analysé une partie de cette vaste production éditoriale volontairement ordinaire, qui offre « aux artistes une solution à la crise de l’œuvre d’art au sens traditionnel du terme[16] ». Si le phénomène est bien connu, ses articulations avec le substrat français posent encore des questions. Il s’agirait d’une part d’interroger les « incunables » du livre d’artiste français, premiers témoins de cette appropriation du livre par les artistes (Paul Armand Gette, Ben Vautier…). Il s’agirait de l’autre de discuter le postulat selon lequel la théorie du texte et de l’histoire du livre sont hors du champ du livre d’artiste. La spécialiste américaine de la question, Johanna Drucker[17], propose une typologie du livre d’artiste après 1945 convoquant des avant-gardes, le surréalisme, CoBrA, le lettrisme, la poésie concrète, Fluxus et la poésie performance. Une production alternative semble en effet s’inscrire dans le double sillage des théories du texte et de l’intermedia (Collectif Génération, par exemple) tandis qu’une autre met en cause et en crise le livre, l’interroge, en procédant à sa réévaluation critique en tant que « forme symbolique[18] » prescriptive pour en explorer ou en détourner la forme objectale (Soleil noir, Brunidor).

Les propositions de communication (300 mots maximum) ainsi qu’une brève notice biobibliographique sont à envoyer avant le 5 décembre 2018 conjointement aux deux organisatrices du colloque :

Sophie Lesiewicz : sophie.lesiewicz@bljd.sorbonne.fr

Anne-Christine Royère : anne-christine.royere@univ-reims.fr


[1] Histoire des sociétés de bibliophiles en France, t. II, Paris, Giraud-Badin, 1931, p. 196.

[2] Voir Raymond Hesse, « Les tendances nouvelles de la bibliophilie », Plaisir de bibliophile, gazette trimestrielle des amateurs de livres modernes, tome 4, 1928, p. 93.

[3] « Bloc-notes d’un bibliographe », Le Livre moderne, t. I, n° 5, 10 mai 1890, p. 355.

[4] Henri Beraldi, « La Bibliophilie créatrice », Revue Biblio-iconographique, 4e année, 3e série, n° 3 à 6, mars à juin 1897, p. 117-118. Le champ de cette bibliophilie créatrice a été exploré lors des deux journées d’études consacrées aux « Architectes du livre. Modèles esthétiques et économiques du livre d’art entre 1870 et 1930 », organisées à la Bibliothèque de l’Arsenal le 29 mai 2017 et à l’université Paris Nanterre le 15 décembre 2017 par Anne-Christine Royère (Université de Reims Champagne-Ardenne) et Julien Schuh (Université Paris Nanterre / IUF).

[5] Selon la formule du colloque « L’Histoire littéraire en mode mineur : le rôle des bibliophiles dans la promotion d’un panthéon littéraire alternatif au XIXe siècle », organisé par la Société & Études Romantiques Dix-neuvièmistes, le laboratoire « Patrimoine, Littérature Histoire » de l’Université Toulouse-Jean-Jaurès et la Bibliothèque nationale de France, les 13 et 14 octobre 2016.

[6] Antoine Coron, « Situation du “livre d’artiste” en France aujourd’hui », conférence, San Francisco, 2009.

[7] Antoine Coron, ibid.

[8] François Chapon, Le Peintre et le Livre, Paris, Flammarion, 1987, p. 48.

[9] Antoine Coron, conf. cit.

[10] Yves Peyré, Peinture et poésie, Paris, Gallimard, 2001, p. 30.

[11] François Chapon, Le Peintre et le Livre, op. cit., p. 11.

[12] Sophie Lesiewicz, « Les éditeurs de livres graphiques, un panorama, 1875-2014 », p. 255-279, in Livres de poésie jeux d’espace ; sous la direction d’Isabelle Chol, Bénédicte Mathios, Serge Linares, Paris, Champion, 2016.

[13] Nicolas Malais, Bibliophilie et création littéraire (1830-1920), Paris, Cabinet Chaptal, 2016.

[14] Travaux de Littérature, vol. XV, « L’Écrivain éditeur. 2. XIXe et XXe siècles » et Hélène Martinelli, « Print it yourself : l’auto-impression est-elle une auto-édition ? », Mémoires du livre, vol. 8, n° 1, « La littérature sauvage », automne 2016, en ligne : http://id.erudit.org/iderudit/1038029ar

[15] Anne-Moeglin-Delcroix, Esthétique du livre d’artiste : introduction à l’art contemporain, nouv. éd. rev. et augm., Marseille/Paris, Le mot et le reste/Bibliothèque nationale de France, 2011, p. 23.

[16] Anne-Moeglin-Delcroix, op. cit., p. 87.

[17] Johanna Drucker, The Century of Artists’ Books, New York City, Granary books, 1995. Sa typologie considère le livre « as a Democratic Multiple, as a Rare and/or Auratic Object, Codex and its variations, as an Agent of Social Change, « Book as Verbal exploration », « Book as a Visual Form ».

[18] Voir M. Melot, « Le livre comme forme symbolique », conférence tenue dans le cadre de l’Ecole de l’Institut d’histoire du livre, 2004. http://ihl.enssib.fr/siteihl.php?page=219

Journée d’Étude Internationale Écrivains et artistes français dans les revues italiennes (1880-1930) – Padoue, 5 juillet 2018

Journée d’Étude Internationale

Écrivains et artistes français dans les revues italiennes

(1880-1930)

Padova, 5 luglio 2018

Sala Scattola

Palazzo Maldura, Piazzetta Folena, 1

PROGRAMME

9.30       Saluto di Anna Bettoni Direttrice del Dipartimento di Studi Linguistici e Letterari

Alessandra Marangoni (Università di Padova) Presentazione

 

Presiede Maria Emanuela Raffi

10.00      Julien Schuh

(Université Paris-Nanterre)

Circulation des idées, circulation

des images entre les revues françaises et italiennes au tournant du siècle

10.30      Jean-François Rodriguez

(Università di Verona)

Présence/absence

de Max Jacob en Italie

Pausa

11.30      Vincent Gogibu

(Université Versailles Saint-Quintin) Jean de Gourmont et Emporium ou l’art de se faire un prénom

12.00      Alexia Kalantzis

(Université de Cergy-Pontoise)

La Revue du Nord (1904-1907): une revue italienne de langue française à Florence

 

Pausa pranzo

 

Presiede Julien Schuh

15.15      Clément Dessy

(University of Warwick)

Le monde des revues et le cosmopolitisme littéraire: présence et résonance de la Revue Blanche dans les périodiques italiens (1889-1903)

15.45      Maria Dario

(Università di Venezia)

André Salmon à Valori Plastici

Pausa

17.00      Tommaso Meldolesi

(Studioso indipendente)

Les voix de Romain Rolland

et de quelques autres intellectuels français dans L’Ordine Nuovo

de Gramsci, en 1919

17.30      Maria Emanuela Raffi

(Università di Padova)

La revue ‘900 ou la double méprise sur le Surréalisme

 

COMITATO SCIENTIFICO

Alessandra Marangoni

Mario Richter

Julien Schuh

 

Per informazioni: alessandra.marangoni@unipd.it

 

Charlotte Jarry, Lettres à Rachilde et Alfred Vallette (L’Étoile-Absinthe, n° 138, 2017-2)

Charlotte Jarry a souvent été considérée de manière condescendante par la critique. C’est pourtant grâce à elle qu’a été publié en 1943 La Dragonne, le dernier roman de Jarry, de manière posthume. Dans les quelques années qui suivent la mort de Jarry, elle entretient une correspondance soutenue avec Rachilde et Vallette, qui avait été nommé exécuteur testamentaire de Jarry. Cette correspondance, qui avait été perdue depuis les années 1960 et n’avait jamais été publiée (à l’exception de bribes dans les Cahiers du collège de pataphysique), a été récemment retrouvée à la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet. Elle apporte de nombreuses informations nouvelles sur les derniers jours de Jarry, sur sa succession, sur la mise en scène de Pantagruel, opéra-comique qu’il a écrit avec Claude Terrasse, et sur la préparation de l’édition de La Dragonne. Charlotte Jarry est en prise avec les éditeurs de son frère (Fasquelle, le Mercure de France), avec ses fournisseurs (Jarry a laissé de nombreuses dettes), avec ses collaborateurs (Demolder, Terrasse, Saltas). Prête à tout pour défendre la gloire posthume de son frère, elle décide de terminer elle-même le manuscrit incomplet de La Dragonne, tâche que Jarry avait confiée en vain à Rachilde. Elle décrit à Rachilde son travail de reprise du texte, entrecoupé de détails sur son existence en Bretagne – détails qu’elle incorpore au fur et à mesure dans le roman lui-même. On assiste en définitive, dans cette correspondance, à la naissance d’une timide vocation d’écrivain, contrecarrée par la marginalisation croissante de Charlotte Jarry, ruinée par les dettes d’Alfred et oubliée peu à peu par le couple d’éditeurs parisiens. Les dernières lettres, où elle insère des poèmes en mémoire de son frère et des Vallette, écrites en pleine guerre, sont particulièrement poignantes.
Alain Millet, ayant-droit de Noël Arnaud, a par ailleurs accepté que nous publiions dans ce dossier un passage inédit du second volume (jamais paru) de la biographie de Jarry consacré à Charlotte Jarry.

Illustrations

– 2 photographies de Charlotte Jarry, collection Linda Stillman
– 14 cartes postales de Charlotte Jarry aux Vallette

Tirage

300 exemplaires, dont 25 exemplaires sur papier vergé, 13,5 x 20 cm, 144 pages, impression en bichromie rouge/noir, couverture à rabat, non coupé.

Prix: exemplaire sur papier ordinaire: 20€, exemplaire sur papier vergé: 100€.

Bon de commande

Chèques à l’ordre de la « Société des Amis d’Alfred Jarry », en euro, à expédier à la secrétaire (Diana Beaume, 88, rue de la Folie Méricourt, 75011 Paris. diana.beaume@free.fr). Possibilité de virement paypal : adresser un paiement à l’adresse andre.marcueil@gmail.com

Appel à communication: Poétique du Chat Noir (1882-1897) – Bibliothèque Historique de la Ville de Paris, 6-7 décembre 2018

Appel à communication

Poétique du Chat Noir (1882-1897)

Colloque international, Bibliothèque Historique de la Ville de Paris,

jeudi 6 et vendredi 7 décembre 2018

Organisateurs : Caroline Crépiat (Université Clermont Auvergne – CELIS), Denis Saint-Amand (HEL – Université de Namur – COnTEXTES) et Julien Schuh (Université Paris Nanterre – HIRIM).

Comité scientifique : Paul Aron (Université libre de Bruxelles – FNRS), Laurent Bihl (Paris 1 – CRHXIX), Phillip Dennis Cate (Rutgers University, émérite), Philip Kaenel (Université de Lausanne), Ségolène Le Men (Université Paris Nanterre – HIRIM), Évanghélia Stead (Université de Versailles – CHCSC), Valérie Stiénon (Université Paris 13 – PLÉIADE), Marie-Ève Thérenty (Université Paul-Valéry – RIRRA21 – Numapresse), Alain Vaillant (Université Paris Nanterre – HIRIM), Jean-Didier Wagneur (CLCF-Université Paris Nanterre).

Malgré le regain d’intérêt, ces quinze dernières années, pour l’étude de la presse du XIXe siècle[1], un titre phare de la fin de siècle, Le Chat Noir, n’a jamais fait l’objet d’une étude approfondie en tant que journal. C’est en effet surtout à l’histoire de l’art ou de la culture montmartroise que nous devons la majorité des recherches sur ce périodique, qui est souvent réduit à une fonction d’archive. Ses textes, ses illustrations, relevant essentiellement de la blague, n’auraient guère d’intérêt, à l’exception des productions de quelques collaborateurs notoires – Paul Verlaine, Alphonse Allais, Léon Bloy, Caran d’Ache, Jules Jouy, Charles Cros, Willy, George Auriol, Adolphe Willette – qu’on a souvent détachées de leur contexte de publication original pour les mettre en recueil. Comment expliquer alors la longévité de cette feuille – quinze ans, 690 numéros – si son contenu était d’une telle indigence ? Ce colloque se propose de poursuivre l’exploration du Chat Noir – entendu ici comme l’ensemble des pratiques qui s’organisent sous cet emblème : une revue, un cabaret et un collectif – en envisageant comme centrale la question de la production écrite. En somme, de prendre au « SÉRIEUX QUAND MÊME » les écrits d’un collectif qui, de façon systématique, tourne en dérision tout discours sérieux et les codes qui en découlent, et peut à ce titre aujourd’hui souffrir de sa réputation blagueuse.

État des lieux

Dès sa première année d’existence, on peut lire dans les colonnes de la revue du Chat Noir que le cabaret éponyme se revendique comme le lieu incontournable pour quiconque se rend à Paris, et même s’autoproclame du « nombre des monuments historiques de la France ». Déjà, le Chat Noir dépasse le lieu de sociabilité : il se visite.

Ironie du sort, c’est à une image muséifiée que l’on a affaire dès lors que l’on songe au Chat Noir ou que l’on se plonge dans les travaux qui lui sont consacrés. Les études existantes se penchent en effet sur son histoire et ses activités, tels son théâtre d’ombres, ses soirées et ses tournées (Richard, 1991 ; Fields, 1993 ; Cate, Shaw, 1996 ; Oberthür, 1992 et 2007 ; Védrine, 2007). C’est d’ailleurs dans ce sillage que se situent les expositions lui rendant hommage, telles celle du Musée Gadagne (Lyon, 1996-1997) sur le théâtre d’ombres ou, plus récemment, celle du Musée de Montmartre (2012-2013). L’angle iconographique a aussi été privilégié, ciblant tant les illustrations qui alimentent la revue que les œuvres qui décorent l’espace du cabaret (Kunzle, 1999 ; Cate, 2008). Enfin, la critique s’est concentrée sur les figures les plus emblématiques du cabaret, tels que Marie Krysinska (Goulesque, 2001 ; Paliyenko, Schultz, Whidden, 2010), Émile Goudeau (Golfier, Wagneur, 2000), Maurice Rollinat (Le Guillou, 2003) ou Alphonse Allais (Defays, 1990, 1991, 1996 ; Caradec, 2010), donnant lieu à des études monographiques, et faisant du Chat Noir une trame de fond transitoire.

Des travaux plus récents ont pris en compte la nécessité d’aborder le collectif selon une approche tout autre : celle du discours tenu par le groupe, notamment par l’étude de la revue du Chat Noir, initiés sans doute par la publication d’anthologies, l’une à la focale plus large du rire fumiste (Grojnowski, Sarrazin, 1990), l’autre regroupant plus spécifiquement les poètes ayant participé à la revue (Velter, 1996). Des éléments ponctuels ont été traités, telle la querelle entre Franc-Nohain et Marie Krysinska en 1892 (Whidden, 2001) ou les parodies prenant pour cible les œuvres et le style d’Émile Zola en 1882 et 1883 (Dousteyssier-Khoze, 2013). De façon plus large, les travaux menés par ailleurs ont compris Le Chat Noir dans le réseau des « petits » médias littéraires afin d’en dresser le tableau général, comme ce fut le cas de deux thèses, l’une montrant l’influence des lectures-performances dans ces nouveaux lieux de spectacle d’avant-garde, notamment le Chat Noir, sur l’œuvre de Mallarmé (Schiau-Botea, 2010), l’autre s’inscrivant davantage dans une sociologie de ces revues, par l’analyse de l’esprit fin-de-siècle par leur prisme et leurs stratégies pour atteindre une reconnaissance (Didier, 2009). Enfin, citons une thèse plus récente, consacrée à la production poétique de la revue (Crépiat, 2016), suivant une approche sociopoétique.

Objectif de ce colloque

L’intérêt pour l’objet-texte que le groupe du Chat Noir a produit durant ses quinze années d’existence semble indispensable pour cerner l’esprit chatnoiresque et permettre d’éclairer des enjeux autant littéraires et esthétiques que sociologiques. Cependant, si la revue semble constituer un espace de choix pour poursuivre la connaissance de ce groupe, partant de la littérature de la fin du XIXe siècle, l’objectif de ce colloque est d’ouvrir l’étude à toute la production écrite de ce collectif.

Il s’agira ici de s’appuyer sur les sources peu étudiées que sont les textes édités sous le compte du Chat Noir, qu’ils soient publiés dans la revue ou non : les textes des pièces d’ombres, les paroles des chansons publiées en plaquettes ou en recueils distincts, La Vie drôle (1893-1894) (« gazette chatnoiresque » éditée en parallèle),les contes de Rodolphe Salis, le Livre d’or laissé à disposition à l’entrée du cabaret, ou encore les poèmes publiés en vis-à-vis des dessins des catalogues d’exposition des Incohérents.

Revisiter cet espace protéiforme de création, de sorte à éclairer les parts laissées dans l’ombre, car considérées comme anecdotiques, difficiles d’accès (archives) ou encore tout simplement mésestimées (la poésie, certaines personnalités…), suppose de s’attarder sur plusieurs orientations possibles :

Sa poétique en tant que telle : les genres empruntés, des formes traditionnelles de la littérature (nouvelle, poésie, portrait, monologue…) aux formes journalistiques (légende d’illustration, réclame, reportage…) ou encore humoristiques (blague, parodie). Le Chat Noir se revendique comme un espace d’expérimentation et d’anti-académisme (sur la forme, la narration, le rapport au lecteur…), comment cela s’articule-t-il à l’avant-garde d’alors ? On envisagera aussi une poétique du pastiche, de la parodie, de l’intertextualité, de l’interdisciplinarité (dialogue entre les arts – musique, etc. –, les formes et les genres) ; le langage ; le rire ; les mises en scène du groupe ; les postures auctoriales adoptées ; les relations avec l’imaginaire et la poétique fin-de-siècle (Stead, 2004 et 2009), etc.

* Son rapport aux autres avant-gardes/périodiques : Il s’agira de mieux cerner le lien avec les autres avant-gardes : comment les écrits du Chat Noir sont-ils reçus par les autres revues ? Et inversement, quel est le traitement chatnoiresque de ces confrères ? Pourquoi ne pas étudier des collaborateurs du Chat Noir publiés dans d’autres journaux, parfois d’importance, inscrivant de la sorte cette revue dans un réseau plus complexe, et de ce fait nuançant ce qui peut sembler, à l’instar des Incohérents, une « avant-garde sans avancée » (Grojnowski, 1981)?

Le rapport à son époque : le contexte politique, qui alimente ses écrits (Boulangisme, la Commune, la République des Jules, etc.), le contexte social (explosion de l’alcool, sociabilités estaminières).

La littérature hors le livre : comme dit précédemment, cette étude doit permettre de s’intéresser au texte (pièces du théâtre d’ombres, les chansons, scies, hapax de signature, recueils, feuilles volantes…), ainsi qu’à sa production au sens littéral (tirage, lectorat, abonnés). Cela pourrait conduire à une réflexion sur le dialogue entre art et commerce (société du spectacle, économie de l’entreprise, public…). Une démarche originale – dépassant le seul Chat Noir – convoquant également d’autres techniques : la performance, le happening, le canular…

Sa mémoire Le Chat Noir se pose comme une institution alternative, une réaction ironique à l’art et à la littérature officiels, qui propose sa propre version de l’histoire littéraire. Comment le périodique devient-il musée ? Quels liens entretient-il avec le cabaret, lui-même salle d’exposition ? Et inversement, comment exposer aujourd’hui ses productions ?

Les propositions de communication (env. 350 mots, biobibliographie) sont à adresser conjointement à Caroline Crépiat, Denis Saint-Amand et Julien Schuh aux adresses suivantes : carolinecrepiat [at] gmx.frDenis.Saint-Amand [at] ulg.ac.beet julien.schuh [at] parisnanterre.fr pour le 15 mars 2018.

Bibliographie indicative

Le Livre d’Or du Chat Noir, Bibliothèque Historique de la Ville de Paris, Ms Res 140.

Bihl, Laurent, Schuh, Julien, « Le creuset du périodique : préhistoire médiatique de la bande dessinée », Le Magasin du XIXe siècle, n° 6, 2016, p. 42-49.

Caradec, François, Alphonse Allais, Paris, Fayard, 1997.

Caradec, François, Entre miens – D’Alphonse Allais à Boris Vian, Paris, Flammarion, 2010.

Cate, Phillip Dennis (dir.), Autour du Chat Noir – Arts & plaisirs à Montmartre (1880-1910), catalogue de l’exposition au Musée de Montmartre, Paris, Flammarion, coll. « Skira Flammarion », 2012.

Cate, Phillip Dennis, Shaw, Mary (dir.), The Spirit of Montmartre – Cabarets, humor, and the Avant-Garde, 1875-1905, New Brunswick, Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, 1996.

Cate, Phillip Dennis, « Illustrer le Chat Noir – Le rôle des revues dans la promotion du premier “cabaret artistique” de Montmartre (1882-1897) », Stead, Évanghélia, Védrine, Hélène (dir.), L’Europe des revues (1880-1920) – Estampes, photographies, illustrations, Paris, Presses de l’Université Paris-Sorbonne, 2008, p. 207-224.

Crépiat, Caroline, Saint-Amand, Denis, « Des Hydropathes au Chat Noir – Stratégies d’émergence et sociabilité », Vaillant, Alain, Vérilhac, Yoan (dir.), Sociabilités littéraires et petite presse du XIXe siècle. [à paraître aux Presses de Paris Ouest, 2018].

Crépiat, Caroline, Le sujet lyrique dans la poésie du Chat Noir (1882-1897), thèse effectuée sous la direction de Pascale Auraix-Jonchière, Université Clermont-Auvergne, soutenue le 27 juin 2016.

Crépiat, Caroline, « Des petites maladies qu’on déguste dans Le Chat Noir [ténia et vers libre] », Geay, Ian (dir.), Bouffe – Gastrosophie littéraireAmer, Revue finissante, n° 7, Lille, Les Âmes d’Atala, avril 2016, p. 272-291.

Defays, Jean-Marc, Rosier, Laurence (dir.), Alphonse Allais, écrivain, Actes du Premier Colloque International Alphonse Allais à l’Université de Liège-Wégimont, 9-11 septembre 1996, Paris, Nizet, 1997.

Donnay, Maurice, Autour du Chat noir, Paris, Grasset, 1926. URL : http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k28358f

Didier, Bénédicte, Petites revues et esprit bohème à la fin du XIXe siècle (1878-1889) – Panurge, Le Chat Noir, La Vogue, Le Décadent, La Plume, Paris, L’Harmattan, coll. « Critiques littéraires », 2009.

Dousteyssier-Khoze, Catherine, « Fumisme : le rire jaune du Chat Noir », Dousteyssier-Khoze, Catherine, Scott, Paul (dir.), Abnormalities, Durham, Durham Modern Languages Series, 2001.

Dousteyssier-Khoze, Catherine, « Rodolphe Salis et Émile Zola : rencontres chatnoiresques », Vaillant, Alain, Villeneuve, Roselyne de (dir.), Le Rire moderne, Paris, Presses Universitaires de Paris Ouest, 2013, p. 217-231.

Fields, Armond, Le Chat Noir : A Montmartre Cabaret and Its Artists in Turn-of-the-Century Paris, Santa Barbara (Californie), Santa Barbara Museum of Art, 1993.

Gaden, Elodie, « “Gueuler” pour “écorcher” les règles de l’art. L’humour musical de Marie Krysinska et Maurice Rollinat sur la scène des Hydropathes et du Chat Noir », Journée d’étude « Têtes chercheuses », 21 février 2013, URL : https://teteschercheuses.hypotheses.org/587

Goudeau, Émile, Dix ans de bohème, suivi de Les Hirsutes de Léo Trézénik, Présentation de Michel Golfier et Jean-Didier Wagneur, avec la collaboration de Patrick Ramseyer, Paris, Champ Vallon, 2000.

Goulesque, Florence R.J., Une Femme symboliste, Marie Krysinska – La Calliope du Chat Noir, Paris, Honoré Champion, 2001.

Grojnowski, Daniel, Sarrazin, Bernard, L’Esprit fumiste et les rires fin de siècle, Paris, José Corti, 1990.

Grojnowski, Daniel, Aux commencements du rire moderne – L’esprit fumiste, Paris, José Corti, 1997.

Grojnowski, Daniel, « Une avant-garde sans avancée », Actes de la recherche en sciences sociales, Vol. 40, n°1, 1981, p. 73- 86.

Jeanne, Paul, Les théâtres d’ombres à Montmartre de 1887 à 1923 : Chat noir, Quat’z’Arts, Lune Rousse : étude historique et analytique, avec la liste de pièces représentées, la bibliographie des ombres françaises et un appendice sur le montage du théâtre, Les Presses modernes, 1937. URL : http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k312026b/f11.image.r

Kaenel, Philippe, Lepdor, Catherine, Théophile-Alexandre Steinlen : l’œil de la rue, Milan, 5 Continents Éditions, 2008.

Kunzle, David, « Willette, Steinlen, et les histoires sans paroles du Chat Noir », Groensteen,  Thierry (dir.), L’humour graphique fin de siècleHumoresques, n° 10, Saint-Denis, Presses Universitaires de Vincennes, 1999, p. 29-38.

Le Guillou, Claire, Maurice Rollinat, ses amitiés artistiques, Nantes, Joca Seria, 2003.

Oberthür, Mariel, Le Chat Noir, 1881-1897, Les Documents du Musée d’Orsay, Paris, Réunion des Musées Nationaux, 1992.

Oberthür, Mariel, Le Cabaret du Chat Noir à Montmartre (1881-1897), Genève, Slatkine, 2007.

Oberthür, Mariel, Fontana, Michèle, Plötner, Bärbel, Vincent-Munnia, Nathalie, Les Ombres du Chat noir (Journal d’exposition), Lyon, Musée Gadagne, 1996.

Paliyenko, Adrianna M., Schultz, Gretchen, Whidden, Seth (dir.), Marie Krysinska. Innovations poétiques et combats littérairesAvant-propos de Michel Murat, Saint-Étienne, Publications de l’Université de Saint-Étienne, coll. « Des deux sexes et autres », 2010.

Pillet, Elisabeth, « Cafés-concerts et cabarets », Romantisme, 1992, n° 75, « Les petits maîtres du rire », p. 43-50. URL : http://www.persee.fr/doc/roman_0048-8593_1992_num_22_75_6000

Richard, Lionel, Cabaret, cabarets : Origines et décadence, Paris, Plon, 1991.

Saint-Amand, Denis, « Le rire du groupe », Valke, Simona (dir.), Le rire fin de siècle, Riga, Žinatne, 2016, p. 79-91.

Schiau-Botea, Diana, Le Texte et le lieu du spectacle de La Plume au Mur – Stéphane Mallarmé parmi les Avant-Gardes, New Brunswick, New Jersey, October, 2010.

Stead, Évanghélia, Le monstre, le singe et le fœtus: tératogonie et décadence dans l’Europe fin-de-siècle, Genève, Droz, 2004.

Stead, Évanghélia, « Soixante et un mots de Gustave Kahn recueillis par Jacques Plowert », Basch, Sophie (dir.), Gustave Kahn (1859-1936), Paris, Classiques Garnier, coll. « Rencontres », 2009, p. 45-60.

Védrine, Hélène, « Le Chat Noir sous l’œil noir de l’homme de Constantinople », Basch, Sophie, Chuvin, Pierre (dir.), Pitres et Pantins. Transformations du masque comique, de l’Antiquité au théâtre d’ombres, Paris, PUPS, coll. « Theatrum Mundi », 2007, p. 287-317.

Velter, André, Les Poètes du Chat Noir, Paris, Gallimard, coll. « Poésie/Gallimard », 1996.

Wagneur, Jean-Didier, « Écosystème revuiste », Stead, Évanghélia, Védrine, Hélène (dir.), L’Europe des revues II (1860-1930), Paris, Presses Universitaires Paris-Sorbonne, 2018. [à paraître­]

Wagneur, Jean-Didier, « Les Hydropathes épatent. Communication littéraire et autogestion », Boucharenc, Myriam, Diaz, Brigitte (dir.), L’Auteur et ses stratégies publicitaires au XIXe siècle [à paraître]

Whidden, Seth, « “Nous les prendrons, nous les comprendrons” – Une mini-querelle au Chat Noir », Histoires littéraires, Revue trimestrielle consacrée à la littérature française des XIXe et XXe siècles, n° 8, vol. II, Tusson, Du Lérot éditeur, octobre-novembre-décembre 2001.

[1] Voir en particulier le projet Médias 19 : http://www.medias19.org/

Journée d’étude “Les Architectes du livre II”, Université Paris Nanterre, 15 décembre 2017

Journée d’étude

Les Architectes du livre II

Salle des Conseils du bâtiment L (4e étage, L436) – Université Paris Nanterre

 

Organisée par

Anne-Christine Royère, Université de Reims Champagne-Ardennes, et Julien Schuh, Université Paris Nanterre

Vendredi 15 décembre 2017

 

Contact :

anne-christine.royere@univ-reims.fr et schuh.julien@gmail.com

PROGRAMME

9h30 : accueil

10h : Introduction par Anne-Christine Royère et Julien Schuh

10h : Entre commerce et art

  • Philippe Di Folco (Essayiste, scénariste, enseignant à l’IESA, Paris), « Edouard Pelletan (1854-1912), un Don Quichotte de l’édition passé à la trappe »
  • Jean-Paul Fontaine (Docteur en médecine, membre de la Société royale des bibliophiles et iconophiles de Belgique, historien du livre et de la bibliophilie), « André Ferroud, éditeur de beaux livres illustrés pour les bibliophiles »
  • Damiano De Pieri (Doctorant, Université de Vérone/Sorbonne Nouvelle), « “Et moi aussi, je suis éditeur”. Entre commerce, renouvellement des arts et des techniques : l’éditeur-marchand d’art »

12h15 : déjeuner (Restaurant universitaire Paris Nanterre)

13h45 : Collectionneurs et créateurs

  • Jean-Louis Haquette (Professeur, Université de Reims Champagne-Ardenne), « Un bibliophile rémois architecte du livre: Victor Diancourt et La Guirlande de Julie »
  • Willa Silverman (Professor, Penn State University), « Des langues esthétiques du livre: Japonisme, Art nouveau et Symbolisme dans la bibliothèque privée d’Henri Vever (1854-1942) »

14h45 : pause

15h : Le livre comme architecture

  • Pascale Cugy (Boursière/Stipendiatin, Centre allemand d’histoire de l’art/Deutsches
    Forum für Kunstgeschichte, Paris), « “Nul art n’est plus voisin de l’architecture que la typographie.” Henri Focillon et l’art du livre »
  • Marie-Françoise Cachin (Professeur émérite, Université Paris Diderot), « Livre idéal, livre cathédrale : William Morris et l’architecture du livre »
  • Florence Alibert (Maître de conférences, conservateur des bibliothèques, Université d’Angers), « Lucien Pissarro et les Eragny Press »

17h30 : clôture

Informations pratiques :

Venir à l’Université :

  • Par le R.E.R. : Prendre la ligne A du R.E.R., direction Saint-Germain-en-Laye, et descendre à la station « Nanterre Université ».
  • Par le train : Prendre le train Ligne L à la gare Saint-Lazare, direction « Nanterre université » ou « Cergy-le-haut », et descendre à la station « Nanterre Université ».

Résumés

Entre commerce et art

  • Philippe Di Folco (Essayiste, scénariste, enseignant à l’IESA, Paris), « Édouard Pelletan (1854-1912), un Don Quichotte de l’édition passé à la trappe »

À travers le singulier parcours d’Edouard Pelletan, explorer ici ses productions souvent surprenantes et encore peu connues, comme la revue L’Estampe et l’affiche, les tirages limités grand-luxe — dont La Mandragore de Jean Lorrain — et bien d’autres merveilles, remarquablement conçues, et, chemin faisant, rencontrer un ensemble de personnalités qui lui était attaché. Comme inspiré, Pelletan était porté par un idéal : reste à savoir lequel et c’est ce que nous tenterons aussi d’exprimer.

  • Jean-Paul Fontaine (Docteur en médecine, membre de la Société royale des bibliophiles et iconophiles de Belgique, historien du livre et de la bibliophilie), « André Ferroud, éditeur de beaux livres illustrés pour les bibliophiles »

Fondateur de la « Librairie des amateurs », André Ferroud voulut être éditeur pour les seuls bibliophiles, en choisissant de faire illustrer des textes littéraires consacrés, qui n’avaient jamais donné lieu à des éditions de luxe. C’est ainsi qu’il réussit à produire, de 1886 à 1903, quelques-unes des plus belles éditions du XIXe siècle.

  • Damiano De Pieri (Doctorant, Université de Vérone/Sorbonne Nouvelle), « “Et moi aussi, je suis éditeur”. Entre commerce, renouvellement des arts et des techniques : l’éditeur-marchand d’art »

Au tournant de la Première Guerre mondiale, on assiste à un essor de l’activité éditoriale émanant des marchands d’art et des galeries parisiennes. Il ne s’agit pas seulement de l’édition de livres d’art comme dans l’exemple de Vollard qui avait, en quelque sorte, ouvert la voie. Les galeristes publient également des périodiques comme Les arts à Paris (1918-1934) de Paul Guillaume, Le Bulletin de l’effort moderne (1924-1927) de Léonce Rosenberg ou Le Bulletin de la Vie artistique (1919-1926) de la galerie Bernheim-Jeune. Tous font appel à des écrivains, à des poètes et à des critiques pour collaborer à ces périodiques à statut hybride, partagés entre la revue d’art et la gazette d’information sur l’actualité artistique ou le courrier relatant l’activité de la galerie. Paul Guillaume s’adresse à Apollinaire, Léonce Rosenberg à Maurice Raynal, Bernheim-Jeune à Felix Fénéon. Une activité qui participe à la multiplication de l’« énonciation éditoriale » qui semble caractériser le contexte de l’avant-garde pour contourner l’« obstruction » des institutions, comme l’affirme Camille Mauclair dans le passage cité dans l’appel : typographes éditeurs comme Paul Birault, revues qui proposent un service d’édition comme dans l’exemple de Sic de Pierre Albert-Birot ou qui sont à l’origine d’une maison d’édition comme la revue Littérature pour la maison Au Sans Pareil, enfin, librairies qui développent une activité éditoriale comme dans l’exemple d’Adrienne Monnier. D’ailleurs, Kahnweiler, dans ses souvenirs, affirme à propos des auteurs publiés en tant qu’éditeur : « D’autre part ces poètes n’avaient pas d’éditeur » (Entretiens avec Francis Crémieux : mes galeries et mes peintres, Paris, Gallimard, 1998). Je voudrais esquisser l’activité éditoriale des galeries d’art pour essayer d’en dégager certains principes à travers une démarche comparative axée sur des problématiques. Quelles sont les motivations d’associer à l’activité principale de la galerie celle de l’édition ? Quelles sont les différences et les ressemblances entre ces galeristes-éditeurs ? Si Vollard semble répondre surtout aux possibilités et aux disponibilités d’un amateur et passionné, Rosenberg conçoit l’édition comme un instrument de défense et d’illustration du cubisme et de ses peintres dont il crée une véritable collection monographique à l’aide de la phototypie (« Les maitres du cubisme » en deux versions, une de luxe et l’autre « ordinaire »). Kahnweiler adopte en revanche la posture d’un véritable éditeur qui publie des auteurs peu connus, illustrés par les peintres de sa galerie. Comment interagissent alors l’activité éditoriale avec celle de la galerie ? Existe-il un projet éditorial ? Quel est le public visé ? Ces marchands d’art sont en effet le nœud d’un réseau « semi-institutionnalisé » (Sapiro, 2006) qu’ils contribuent à animer, légitimer et institutionnaliser (les galeries sont aussi des dépositaires et des distributeurs de l’édition d’avant-garde, revues et livres, Paul Guillaume à travers la publicité finance la revue Sic, Rosenberg la revue Littérature; ces deux derniers organisent également des rendez-vous littéraires). Je souhaiterais me focaliser en particulier sur l’aventure de Léonce Rosenberg, Daniel-Henry Kahnweiler et, si j’ai la possibilité de consulter les archives qui sont inexplorées, de Jeanne Bucher.

Collectionneurs et créateurs

  • Jean-Louis Haquette (Professeur, Université de Reims Champagne-Ardenne), « Un bibliophile rémois architecte du livre : Victor Diancourt et La Guirlande de Julie»

Homme politique et bibliophile champenois, Victor Diancourt (1825-1910) combine les diverses pratiques de la bibliophilie du XIXe siècle. Il collectionne les œuvres du passé, mais souscrit aussi aux projets éditoriaux bibliophiliques de son époque. À la recherche de la rareté et de l’exemplaire unique, il confie à des illustrateurs des exemplaires imprimés à « enluminer » d’aquarelles originales. Il finit par devenir le commanditaire de plusieurs ouvrages entièrement calligraphiés et illustrés. Parmi ceux-ci se signale particulièrement La Guirlande de Julie, qui reprend les textes du célèbre recueil composé par le marquis de Montausier pour Julie d’Angennes au XVIIe siècle. C’est l’histoire et la signification de cette entreprise qu’on se propose d’explorer principalement dans cette intervention.

  • Willa Silverman (Malvin E. and Lea P. Bank Professor of French and Jewish Studies, Penn State University), «Des langues esthétiques du livre: Japonisme, Art nouveau et Symbolisme dans la bibliothèque privée d’Henri Vever (1854-1942)»

Henri Vever, une personnalité d’un tempérament artistique intense à l’avant-garde du renouveau des arts décoratifs de la fin du XIXe siècle, s’imposa comme joaillier ; sa prestigieuse entreprise parisienne familiale remporta les Grands Prix des Expositions universelles de 1889 et 1900. Il était aussi un collectionneur, d’abord de la peinture française moderne mais également des arts décoratifs japonais, islamiques et moghols, y compris les arts du livre. En tant que bibliophile, Vever était un habitant de « la nouvelle bibliopolis », faisant écho au titre fantaisiste du traité de l’imprésario bibliophilique Octave Uzanne.

Le livre comme architecture

  • Pascale Cugy (Boursière/Stipendiatin, Centre allemand d’histoire de l’art/Deutsches Forum für Kunstgeschichte, Paris), « “Nul art n’est plus voisin de l’architecture que la typographie.” Henri Focillon et l’art du livre »

Fils d’un graveur d’interprétation, Henri Focillon (1881-1943) eut d’abord des ambitions littéraires, concrétisées à travers de nombreuses publications dans des revues et la parution de quelques ouvrages à compte d’auteur durant ses jeunes années. Devenu historien de l’art, il perpétua cette activité d’écriture sur un mode plus intime et confidentiel à Lyon et à Paris, travaillant avec Marius Audin ou collaborant avec Léon Pichon pour l’édition d’écrits personnels (L’Île oubliée, 1920) comme pour la réédition de textes de Virgile, Diderot, Chateaubriand, Louise Labé ou encore Baltasar Gracián. Les préfaces qu’il livra pour des expositions dédiées à l’art du livre témoignent d’une conception étroitement liée à ses travaux sur l’architecture et la sculpture médiévales, marquée par les idées qu’il développait sur « la vie des formes ». Comparant les pages d’un volume relié aux cathédrales, il y présente le livre comme une matière essentiellement tridimensionnelle, « œuvrée par de savantes et diligentes mains, matière ordonnée, façonnée, douée de vie enfin », avant de décrire les ouvrages imprimés comme des « maisons où nous logeons les pensées des maîtres, et secondement les pensées de tout le monde ». Il met en avant dans ces écrits l’importance du rôle de la main et de la dimension artisanale, conformément à sa vision ruskinienne de l’art et de la vie. Les ouvrages de faible tirage qu’il réalise avec Léon Pichon, marqués par une collaboration étroite entre auteur, graveur, typographe et imprimeur, témoignent de la même manière de sa volonté de revivification des traditions. Nous souhaiterions explorer ce pan méconnu de la carrière de Focillon, principalement à travers l’étude de la conception du livre qu’il afficha et des ouvrages qu’il réalisa avec Léon Pichon.

  • Marie-Françoise Cachin (Professeur émérite, Université Paris Diderot), « Livre idéal, livre cathédrale : William Morris et l’architecture du livre »

William Morris est indubitablement connu davantage pour sa critique sociale et son roman utopique News from Nowhere paru en 1890 que pour ses quelques essais, entretiens ou conférences, exprimant son intérêt pour le livre. Le plus célèbre de ces textes, intitulé « The Ideal Book » (1893), sera à la base de mon intervention dans laquelle je souhaite mettre en évidence sa conception de l’architecture du livre qui, loin de rester abstraite, l’a amené à se lancer dans une « aventure typographique », la Kelmscott Press. William Morris y exercera une activité essentielle, non seulement en tant qu’éditeur, mais aussi comme créateur de nouveaux caractères, typographe, calligraphe et illustrateur.

  • Florence Alibert (Maître de conférences, conservateur des bibliothèques, Université d’Angers), « Lucien Pissarro et les Eragny Press »

« Méfie-toi des Préraphaélites » est le conseil que le peintre Camille Pissarro donna à son fils en  1890. L’examen de certaines productions des Eragny Press, fondées par Lucien Pissarro à Londres en 1894, montre que ce conseil paternel fut assez peu suivi. Si l’empreinte tutélaire d’artistes comme William Morris peut en effet apparaître dans quelques volumes des Eragny Press, d’autres influences artistiques se mêlent ensuite aux références britanniques : le post-impressionnisme, le japonisme, l’Art nouveau. Les livres créés par Lucien Pissarro seraient alors le résultat singulier d’un art de la synthèse de différents courants esthétiques, insulaires ou continentaux, en vogue autour de 1900. La question du syncrétisme esthétique de ces livres est sans doute au centre de l’échec commercial relatif des Eragny Press. Comment concilier en effet des courants artistiques aux rendus visuels parfois antagonistes et trouver un public ? L’art du livre de Lucien Pissarro était-il trop français pour les britanniques ou trop britannique pour les français ?

 

Atelier Master/Doctorat ESPRit : études sur les périodiques, Paris-Sorbonne, 26 juin 2018

Atelier Master/Doctorat ESPRit : études sur les périodiques
 
Paris-Sorbonne, 26 juin 2018.
 
Nous lançons un appel à candidatures pour une journée réunissant des étudiants en Master et en Doctorat consacrée aux études sur les périodiques. Celle-ci aura lieu le 26 juin 2018 à l’université Paris-Sorbonne, la veille du 7e colloque annuel international d’ESPRit, Les périodiques comme médiateurs: les périodiques dans l’écosystème des cultures imprimée et numérique (Paris, 27-29 juin 2018, Bibliothèque nationale de France, voir l’appel à communications correspondant à http://www.espr-it.eu/).
Concernant ESPRit
La Société Européenne pour la Recherche sur les Périodiques (European Society for Periodical Research) est une société savante internationale qui promeut, encourage et diffuse la recherche sur tous les aspects des cultures périodiques européennes du 17e au 21e siècle. Ses objectifs sont résolument interdisciplinaires, son approche multilingue, et sa perspective transcende les études thématiques étroites. Centrée sur la recherche des périodiques européens, elle accueille aussi des recherches élargies à des aires culturelles collatérales (Amériques, Méditerranée orientale, Maghreb, etc.). La publication principale d’ESPRit, le Journal of European Periodical Studies (http://ojs.ugent.be/jeps), revue semestrielle en ligne, évaluée par les pairs, publie des articles de recherche relevant d’une vaste gamme d’approches critiques, théoriques et méthodologiques, incluant, sans s’y limiter, l’histoire culturelle, les études littéraires, l’histoire de l’art, les études de genre, les études de médias, l’histoire des sciences, et les humanités numériques. En tant que revue officielle d’ESPRit, le Journal of European Periodical Studies propose aux chercheurs une plate-forme de partage de la recherche et d’échange des idées par-delà les limites disciplinaires.
L’Atelier
L’Atelier s’adresse aux étudiants actuellement en Master ou en Doctorat qui souhaitent participer aux activités de recherche de la société. Les séances seront centrées sur : (1) différentes approches théoriques et méthodologiques des études périodiques, explorées lors de l’atelier avec les participants; et (2) la préparation des jeunes chercheurs en vue de leur implication professionnelle dans le domaine des études sur les périodiques. Les candidats sélectionnés auront l’occasion de présenter leur travail et de recevoir un retour personnalisé par les modérateurs. Les modérateurs de l’atelier incluent des chercheurs reconnus du domaine comme Laurel Brake, Anne-Rachel Hermetet, Matthew Phillpotts, Evanghelia Stead, Céline Mansanti, Hélène Védrine, etc. L’atelier offrira aux participants l’occasion d’entrer en contact avec d’autres jeunes chercheurs à un niveau similaire d’études. Ils bénéficieront en outre du soutien et des conseils de chercheurs et d’experts du domaine plus avancés dans leur carrière et leurs travaux.
Procédure de candidature
Merci d’adresser les pièces suivantes, en français et/ou en anglais, par e-mail à l’adresse ESPRitPG2018@gmail.com au plus tard pour le 1er février 2018 : 
— une lettre de motivation expliquant les raisons de votre candidature (max. deux pages)
— un bref CV (max. deux pages, caractères min. 11 point)
— un résumé de votre projet de recherche principal (max. 500 mots)
— une synthèse sur le rôle des études sur les  périodiques dans votre recherche (max. 1000 mots).
Nous regrettons de ne pouvoir prendre en charge les frais de transport, mais les candidats sélectionnés pour l’atelier bénéficieront de la gratuité des frais d’inscription au colloque Les Périodiques comme médiateurs. Les participants seront sélectionnés par un comité scientifique ad hoc en accord avec le comité de direction d’ESPRit. La décision sera communiquée aux candidats au plus tard le 15 mars 2018. Nous espérons vivement que vous accepterez de répondre à cet appel.

Parution: Actes de la journée d’étude “Fargue et les médias”, Ludions n° 17, 2017

Fargue et les médias, actes de la journée d’étude de Nanterre organisée par Pierre Loubier et Julien Schuh, Ludions, Bulletin de la Société des Lecteurs de Léon-Paul Fargue, n° 17, 2017.

Sommaire

FARGUE ET LES MÉDIAS

Léon-Paul Fargue: Le merveilleux d’aujourd’hui

Pierre Loubier: Journée «Léon-Paul Fargue et les médias»

Bruno Curatolo: Léon-Paul Fargue au pays des Helvètes

Anne Reverseau: Parcours iconographique de Léon-Paul Fargue

Julien Schuh: Fargue dans les «petites revues»

Barbara Pascarel: Fargue et la grande presse des années 1930

Léon-Paul Fargue: Paris-Chantiers

Léon-Paul Fargue: Coiffeurs pour dames

Sophie Robert: Léon-Paul Fargue et Marie-Claire

Jean Cocteau: Hommage radiophonique à Léon-Paul Fargue

Manuel Cornejo: Deux anecdotes de Jeanne « Pierrette » Haour et/ou Roger Haour

Barbara Copercini: Souvenirs, mes recherches sur Léon-Paul Fargue

Chers Coludions…

Parution: Dossier “Écrivains et artistes de langue française dans les revues italiennes (1880-1920)”, La Revue des revues n° 58, 2017

Parution des actes de la Journée d’étude de Padoue, dirigée par Alessandra Marangoni et Julien Schuh, dans La Revue des revues n° 58, 2017.

SOMMAIRE

  • Les revues : un désir de communauté, par Arno Bertina, p. 2-9

DOSSIER : Écrivains et artistes de langue française dans les revues italiennes (1880-1920)

  • Artistes et écrivains francophones dans la presse italienne de la Belle Époque : quelques investigations informatiques, par Julien Schuh, p. 10-33 » résumé
  • Apollinaire et Lacerba, par Mario Richter, p. 34-45 » résumé
  • Soffici et Picasso, des Étrusques aux Ibères, aller et retour. Primitivisme et modernité, par Jean-François Rodriguez, p. 46-105 » résumé
  • Gourmont-Canudo-Rimbaud dans les “Lettres italiennes” du Mercure de France, par Vincent Gogibu, p. 106-111 » résumé
  • Les écrivains du Mercure de France dans les revues italiennes (1899-1901) par Alexia Kalantzis  p. 113-118 » résumé
  • Passage en revue des symbolistes belges dans les périodiques italiens, par Clément Dessy, p. 119-124 » résumé
  • Le Jules Romains de Poesia (1906-1908), le Péguy de La Voce (1910-1912), par Alessandra Marangoni, p. 125-127 » résumé
  • “Je reviendrai à Paris” : Philippe Soupault dans la revue Poesia, par Damiano De Pieri » résumé
  • À l’attaque ! Michel Crépu
  • Les 30 ans de Lignes : questions à Michel Surya (Jérôme Duwa)
  • Juvenilia… (sur les Cahiers Robinson) (Isabelle-Rachel Casta)
  • Feu!!. Traduction d’Étienne Dobenesque, Ypsilon Éditions (Gérard-Georges Lemaire)
  • Bernard Groethuysen & Alix Guillain. Lettres 1923-1949 aux Paulhan (Laurence Brisset)
  • Artichaut par Yannick Kéravec, p. 133-135 » lire
  • Babel heureuse par Anthony Dufraisse, p. 135-137 » lire
  • Dialog par Anthony Dufraisse, p. 135-137 » lire
  • Transbordeur par Marianne Dautrey, p. 137-138 » lire
  • Résumés, p. 143-144